Skull. Andy Warhol
La imagen nos muestra una calavera. En un primer momento llama la atención el contraste entre la imagen con significado denotativo tan fuerte y lúgubre, como es la muerte, y el uso de estos colores tan vivos y tan “alegres”. Otro detalle a tener en cuenta es la apariencia feliz de la calavera, pues pareciera que se encuentra sonriendo por la posición de la boca medio abierta.
Autor: Andy Warhol
Título: Skull
Fecha de realización: 1976
Ubicación actual: Museum Moderner Kunst, Viena
Género: Pop Art
Técnica: Serigrafía y acrílico sobre lienzo
Dimensiones: 183 x 203 cm
Análisis denotativo
En el centro de la obra se encuentra la imagen de una calavera de color rosa y la sombra que esta proyecta, pudiendola observar desde un plano picado. La calavera se encuentra sobre una superficie que podemos adivinar que es una mesa con un color coral y tras esta, una pared en color amarillo. Además, hay un plano que aparece en verde.
La obra está compuesta por una forma plana figurativa, representando un elemento natural y conocido como es la calavera. También aparece una línea haciendo la función de delimitar el planto, diferenciando el fondo y la superficie en la que se encuentra apoyada la calavera. También aparece una forma plana abstracta, en color verde, pudiendo representar la luz que desde arriba ilumina a la calavera.
Análisis técnico
Se trata de una obra del movimiento artístico Pop Art, cuyo origen se encuentra en Estados Unidos e Inglaterra. El Arte Pop fue un movimiento que surge en el siglo XX, aproximadamente en la década de los sesenta.
Este movimiento se caracteriza por el uso de elementos, temas, e imágenes tomadas de la sociedad del momento, el consumo y las masas, siendo un reflejo de la vida cotidiana, la realidad de la época y su estado de ánimo. Los temas giran entorno a: artículos de la globalización y el consumo, como bebidas gaseosas, cajas de cigarrillos; las estrellas de Hollywood; el dinero; o la publicidad y el cómic..
El Pop Art surge como reacción ante la despersonalización de la sociedad, convirtiéndose en mecanismos estilísticos impersonales, con obras más objetivas y de difícil comprensión. El Pop Art pretendía replantear el individualismo dentro del ámbito artístico, con lo cual en muchas obras resalta el anonimato del artista.
Los antecedentes más antiguos pueden establecerse en el lenguaje del cubismo, concretamente en la obra de Stuart Davis, pues usó objetos cotidianos como una batido o un guante de goma, para las pinturas realizadas en los años veinte. Sin embargo, resulta más oportuno destacar la influencia del Dadaísmo y el Surrealismo en el nacimiento del Pop Art.
La influencia del trabajo de Andy Warhol en el desarrollo del arte contemporáneo es innegable. Su estética se ha extendido por diversos ámbitos, como el diseño, la fotografía o la moda.
Análisis connotativo
El mensaje principal de la imagen es el de la muerte. La figura de una calavera lleva implícito elementos como la muerte, lo tenebroso o lo lúgubre. Aunque desde otra perspectiva se puede comprender como un símbolo de perdurabilidad, un atisbo de que antes hubo vida y que en cierta manera siempre quedará algo
Así pues, otro mensaje que puede establecerse es la relación entre la vida y la muerte. Esto puede percibirse también en la imagen de la calavera y la sombra proyectada, pues evoca a la silueta del rostro de un bebé. Es una imagen un tanto tétrica, pero que se contrapone con los colores usados. Ya que, comúnmente, este tipo de colores evoca vida y alegría.
Así pues, el sentimiento que despierta es contradictorio. Se observan elementos que evocan a la muerte, pero al mismo tiempo esta misma imagen desprende vida.
Spiegel I and II. Jaume Plensa
La imagen muestra a dos figuras sentadas una frente a la otra, de tal manera que existiese una especie de espejo en el que una figura se refleja a sí misma. O también se transmite la sensación de que se trata de dos personas idénticas, casi gemelas, observándose entre ellas.
Autor: Jaume Plensa
Título: Spiegel I and II
Fecha de realización: 2010
Ubicación actual: Yorkshire Sculpture Park, West Bretton. UK 2011
Género: Escultura
Técnica: Acero inoxidable pintado
Dimensiones: 377 x 235 x 245 cm cada uno
Análisis denotativo
En la imagen aparecen dos esculturas en color blanco de dos figuras humanas sentadas, una frente a la otra. Sus brazos rodean las piernas y el rostro no se encuentra formado, por lo que no se puede observar. El cuerpo de estas figuras se encuentra formado por letras, haciendo la función de piel.
La clave de estas esculturas se encuentra en la manera en la que están formadas. En un primer momento, se intenta leer y comprender si existe algún tipo de mensaje con las letras que aparecen, sin embargo, se trata de una especie de caos que no aporta ningún mensaje explícito.
Otro elemento que juega un papel importante es la luz. Esta se introduce a través de los espacios existentes entre las letras, formando nuevos espacios en lo que aparentemente existía un vacío.
Análisis técnico
En el ámbito de la escultura, Plensa se formó en un taller de reparaciones mecánicas, lo que motivó sus comienzos y también los materiales usados, como el hierro fundido, al comienzo de su trayectoria.
El desarrollo de su expresión plástica gira entorno al cuerpo humano, a la espiritualidad y la memoria colectiva. Otros ámbitos que intervienen en la creación de sus obras son; la psicología, la biología o la literatura, utilizando en ella gran cantidad de materiales como el cero, el vidrio, el agua o el sonido.
Las letras son un elemento característico en sus obras, siendo metáforas que forman el ser humano. El cuerpo siempre ha sido un elemento sobre el que ha girado su obra artística, proporcionando volumen y peso a aquellas partes y elementos de la condición humana y lo efímero. La posición en la que Plensa coloca sus esculturas es en grupos o parejas, creando una especie de diálogo entre las propias esculturas, y entre éstas y el público.
Análisis connotativo
La imagen sugiere una especie de diálogo entre dos figuras humanas y entre nosotros mismos. Pero a su vez, este diálogo se transforma en caos pues no se puede descifrar ningún mensaje en claro mediante las letras observadas. Además, esta sensación de diálogo directo desaparece cuando se es consciente de que las figuras no poseen rostro y por tanto no hay manera de comunicarse.
Aquí se encuentra representado el lenguaje, la palabra, de una manera física, en la que se puede leer, tocar y sentir. Por tanto, lo interpreto como una representación del pensamiento en general y del pensamiento propio. Una dualidad entre algo que se puede representar y, a su vez, algo que es irrepresentable.
Bibliografía
Biography | Jaume Plensa. (2021). Jaume Plensa. https://jaumeplensa.com/biography/short-biography
Bourlot, C. (2012). Pop Art: ¿El movimiento artístico de mayor cercanía con el pueblo?. Creación y Producción en Diseño y Comunicación, 93.
Calavera, 1976. (2019, 13 febrero). Museo Picasso Málaga. https://www.museopicassomalaga.org/calavera-1976
Castilla, J. M. (2016). Un cuerpo llena la inmensidad: la palabra y el espacio en la escultura de Jaume Plensa. Tropelías: Revista de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada, (26), 29-41.
de Llano, C. R. M. (2007). Jaume Plensa. La poesía de la materia. Minerva: Revista del Círculo de Bellas Artes, (5), 42-51.
Jaume Plensa. (2021). HA! https://historia-arte.com/artistas/jaume-plensa.
Jaume Plensa. (2013, 10 enero). No disparen al artista.
JAUME PLENSA. (s. f.). Jaume Plensa. https://jaumeplensa.com/exhibitions-and-projects/exhibitions/jaume-plensa-yorkshire
Rauschenberg, N. (2019). Entre el cine y la serigrafía: para una biografía sociológica de Andy Warhol. Tempo Social, 31(1), 301-321.
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